Thể loại của chủ nghĩa tối giản được bộc lộ trong nhiều loại hình nghệ thuật: hội họa, âm nhạc và văn học. Nó có nguồn gốc từ những năm 60 của thế kỷ XX và ra đời như một phản ứng của chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng. Những người theo chủ nghĩa tối giản đã cố gắng rời xa các đặc điểm biểu cảm của chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng, vì họ coi những tác phẩm này quá phô trương, hạ thấp bản chất của nghệ thuật. Ngược lại, các nghệ sĩ của thể loại tối giản đã cố gắng tạo ra một bức tranh từ những đường nét và hình vẽ đơn giản. Chủ nghĩa tối giản được đặc trưng bởi việc giải thích các tác phẩm thông qua con mắt của người thưởng thức. Đặc biệt đối với tác phẩm nghệ thuật này, tất cả các đối tượng phức tạp, phương tiện thể hiện bản thân, tiểu sử và các chương trình xã hội đều bị loại bỏ. Người xem sẽ thấy bức tranh giống như thực tế của nó: đầy vẻ đẹp trinh nguyên và trung thực.
Do sự nhấn mạnh mạnh mẽ vào các yếu tố cơ bản, thể loại chủ nghĩa tối giản đã được biết đến như nghệ thuật ABC. Hầu hết những người theo chủ nghĩa tối giản nổi bật nhất là nhà điêu khắc, nhưng chủ nghĩa tối giản cũng rất thịnh hành trong Land Art, một nhánh của thể loại nhằm tạo ra nghệ thuật dưới dạng phong cảnh, về cơ bản là một nhánh của thiết kế cảnh quan.
Chủ nghĩa tối giản cũng tập trung vào sự chuyển động của ánh sáng và không gian, nhưng nhiều nghệ sĩ của thể loại này cố gắng khắc họa sự trống trải trong các tác phẩm của họ.
Người ta tin rằng chủ nghĩa tối giản bắt nguồn từ châu Á. Đối với công việc của nhiều nghệ sĩ phương Tây, ví dụ như Agnes Martin, Phật giáo Thiền tông đã có một tác động rất lớn. Rất nhiều nghệ sĩ theo trường phái tối giản đã bị ảnh hưởng bởi khái niệm "tính không" được vay mượn từ kinh điển Ấn Độ giáo. Mono-ha là một trong những phong trào tối giản lớn nhất ở châu Á. Đây là phong trào nghệ thuật đương đại được quốc tế công nhận đầu tiên của Nhật Bản. Mono-ha, còn được gọi là "Trường học của sự vật", bắt nguồn từ giữa những năm 60 của thế kỷ XX, và sau đó đã trở thành một phong trào nghệ thuật cách tân. Nhóm này do Li Ufang và Nobuo Sekine đứng đầu. Đó là hiệp hội duy nhất định vị hoạt động của mình là hoạt động "không sáng tạo". Những nhóm như vậy đã bác bỏ những ý tưởng đại diện truyền thống. Mong muốn của họ là khám phá thế giới bằng cách tương tác với vật liệu và tính chất của chúng, tương tự như xu hướng tối giản của phương Tây.
Chúng tôi cung cấp cho bạn xem các tác phẩm nổi tiếng nhất của nghệ thuật tối giản, nhấn mạnh thuộc về thể loại này. Bạn cũng sẽ được giới thiệu những bức tranh và tác phẩm điêu khắc phá hủy những ý tưởng truyền thống về nghệ thuật nói chung, vì chúng đã xóa bỏ sự khác biệt giữa chúng.
Frank Stella "Biểu ngữ bay lên trời!" (1995)
Frank Stella, với tư cách là một họa sĩ, nhà điêu khắc và thợ in, được coi là một trong những nghệ sĩ người Mỹ có ảnh hưởng nhất hiện nay. Những bức tranh của ông, đầy những đường kẻ sọc, cũng như những bản in hoành tráng, đã tạo ra một cuộc cách mạng không chỉ trong thế giới của chủ nghĩa tối giản, mà còn cả sự trừu tượng. Tác giả lưu ý rằng ảnh hưởng lớn nhất đến tác phẩm của ông là do các nghệ sĩ trừu tượng Pollock và Klein cung cấp. Nhưng theo ý muốn của số phận, Frank Stella đã trở thành một trong những cha đẻ của chủ nghĩa tối giản.
"Biểu ngữ lên!" được đặt tên theo bài hát diễu hành của Đức quốc xã, nhưng mọi thứ ngoại trừ tên của bức tranh dường như không mang bất kỳ ý nghĩa nào. Công việc này là một phần của chu kỳ lớn các tác phẩm đen tối của Stella. Các vạch sáng, có thể nhìn thấy rõ ràng trong hình, chỉ là một tấm vải chưa được xử lý còn lại giữa các sọc đen rộng. Tác phẩm đơn sắc này là một trong những bức tranh nổi tiếng nhất thách thức phong trào trừu tượng.
Robert Morris, Không có tiêu đề (Gương khối) (1965/71)
"Untitled (Mirror Cubes)" của Robert Morris tiết lộ ông không chỉ là người sáng tạo ra thể loại tối giản, mà còn là một thể loại khái niệm. Tác giả đã bắt gặp những chiếc hộp lớn màu xám làm bằng ván ép và được sử dụng làm đồ trang trí khi vẫn biểu diễn với một vũ đoàn ba lê. Trong công việc của mình, ông đã phủ những chiếc hộp này bằng gương, từ đó thay đổi cách nhìn nhận, bổ sung các đặc tính thị giác mới cho các hình khối màu xám đơn giản. Bố cục hướng đến sự tương tác trực tiếp của người xem với vật thể: đi giữa các khối được nhân đôi, người xem vô tình va chạm với chính mình và vẫn như thể một mình với những suy nghĩ của họ, nhưng một mình với mọi người. Hành động chiêm ngưỡng một tác phẩm nghệ thuật đột nhiên bị gián đoạn bởi hành động tìm kiếm. Chính trên cơ sở đó mới diễn ra tình trạng “xâm chiếm” không gian phòng trưng bày. Một người bắt đầu cảm thấy sự hiện diện của nghệ thuật vượt ra ngoài cái nhìn thấy được.
Agnes Martin, Trở lại thế giới (1997)
Agnes Martin đã vẽ những bức tranh không mô tả các vật thể theo bất kỳ cách nào, nhưng tên của chúng đã nhấn mạnh sự quyến rũ mạnh mẽ của thiên nhiên. Tác phẩm của Martin được công nhận bởi một lưới kết hợp giữa chủ nghĩa tối giản và cách phối màu. Lưới được sử dụng để tổ chức không gian của canvas. Cô ấy đã giúp tạo ra vô số tác phẩm nhẹ nhàng trong cách phối màu tinh tế.
Bị ảnh hưởng mạnh mẽ bởi Phật giáo Thiền tông và Đạo giáo, Martin đã sống rất tách biệt với thế giới trong phần lớn cuộc đời của mình, ngay cả khi sống ở New Mexico. Năm 40 tuổi, cô được chẩn đoán mắc bệnh tâm thần phân liệt. "Back to the World" được viết trong thập kỷ thứ 9 của cuộc đời cô. Vào thời điểm đó, cô ấy đang ở trong một viện dưỡng lão. Các sọc màu xanh lam, hồng đào và vàng vẫn tiếp tục nhấn mạnh tính độc quyền của nghệ thuật trong một thế giới đầy rẫy sự thối nát, vì vậy cô ấy đã giảm kích thước của những tấm bạt của mình để bớt khó khăn hơn với chúng.
Ellsworth Kelly, Đỏ, Vàng, Xanh II (1953)
Phục vụ trong Thế chiến thứ hai đã có tác động rõ ràng đến Ellsworth Kelly. Theo một cách nào đó, nó được sử dụng như một quan sát về thiên nhiên và kiến trúc, và sau đó nó được ứng dụng vào thực tế. Một nghiên cứu kỹ lưỡng về tính trừu tượng của tác giả và ứng dụng của nó trong các tác phẩm của ông đã phát triển chủ nghĩa tối giản. Loạt tranh "Đỏ, Vàng, Xanh" đã ảnh hưởng đến cách vẽ tranh. Nó được tạo ra ngay sau khi Kelly phát hiện ra khả năng vô tận của quang phổ màu đơn sắc, tính ngẫu nhiên và bố cục đa bảng.
Red Yellow Blue II bao gồm bảy tấm. Tấm đen trung tâm vừa là tấm ngăn vừa là ba tấm mỗi bên. Các tấm màu xanh ở cuối làm nổi bật bố cục của Kelly. Chính tác phẩm này được coi là một trong những tác phẩm hay nhất của ông, cũng như là tác phẩm lớn nhất trong thời gian ông ở Paris.
Sol Levitt, Tường sơn
Sol Levitt đã vẽ 1.350 bức tường trong 40 năm sự nghiệp của mình, 3.500 trong số đó là các tác phẩm sắp đặt trên 1.200 địa điểm. Các thiết kế hoàn toàn khác nhau: từ các sọc thẳng được áp dụng bằng đá phiến đen, đến các đường lượn sóng nhiều màu, các khối hình học đơn sắc và không gian sáng được sơn bằng acrylic. Tác giả bác bỏ tầm quan trọng truyền thống của chính tay người sáng tạo, cho phép anh ta giúp đỡ người khác trong việc tạo ra tác phẩm nghệ thuật của mình. Các bức tranh tường của ông lấy hình thức của những không gian mà họ chiếm giữ, do đó chúng được nghiên cứu trong lĩnh vực kiến trúc và nghệ thuật.
Levitt đã qua đời vào năm 2007, nhưng tác phẩm của anh ấy vẫn tiếp tục sống, bởi vì tinh thần của người nghệ sĩ đã được gửi gắm trong đó. Ngày nay, có một số nghệ sĩ từ chối tái tạo các bức tranh tường của ông, do đó cho phép họ trang trí các bức tường trên khắp thế giới.
Judy Chicago, Rainbow Picket (1965)
Rainbow Picket là một tác phẩm sắp đặt có kích thước bằng một căn phòng. Nó bao gồm sáu hình thang, khác nhau về màu sắc và chiều dài. Ngoài triển lãm cá nhân đầu tiên tại Phòng trưng bày Rolf Nelson ở Los Angeles (tháng 1 năm 1966), tác phẩm này đã được trưng bày trong triển lãm cơ bản "Các cấu trúc cơ bản" tại Bảo tàng Do Thái.Clement Greenberg, Nhà phê bình nổi tiếng, đã đánh giá tác phẩm này là tác phẩm hay nhất trong lĩnh vực này. Năm 2004, Rainbow Picket đã được tái tạo, và sau đó vật thể này trở thành dấu ấn của LAMOCA “Minimalistic Future? Art as a Object (1958-1968) ”.
Bằng cách tạo ra những tác phẩm như thế này, thử nghiệm khả năng của màu sắc với các mẫu và phối đồ không gian tự tạo của cô, Judy Chicago đã trở nên nổi tiếng như một nhà sáng tạo trong thể loại tối giản.
Dan Flavin, "Untitled (After Harold Joachim) 3" (1977)
"Untitled (sau Harold Joachim) 3" là một trong nhiều tác phẩm của Dan Flavin. Nó bao gồm đèn LED và kẹp kim loại. Tác giả đã nghiên cứu khả năng của ánh sáng huỳnh quang trong ba thập kỷ, thực hiện công việc của mình chỉ với các vật liệu có sẵn trên thị trường. Sau khi từ bỏ các khái niệm của chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng, Flavin bắt đầu sử dụng thiết bị như vậy, và sau đó đưa nó vào thế giới nghệ thuật cao cấp. Thoạt nhìn, tác phẩm có vẻ đơn giản nhất có thể, nhưng nếu quan sát kỹ, bạn sẽ thấy được sự tinh tế sâu sắc của tác phẩm.
Các tác phẩm của Flavin có xu hướng vượt ra ngoài không gian mà chúng được đặt, nhờ vào cách chơi của ánh sáng và nhiều bảng màu. Các vật thể này cho phép người xem tắm mình trong ánh sáng ấm áp của đèn LED, tạo ra một không gian cụ thể.
Eva Hesse, "Tác phẩm không tên (Pieces of Rope)" (1970)
Eva Hesse sinh ra ở Đức. Bây giờ chúng ta biết đến cô ấy như một nhà điêu khắc sáng tạo của Mỹ trong việc làm việc với cao su, sợi thủy tinh và nhựa. Bà là người đặt nền móng cho sự phát triển của chủ nghĩa hậu tối giản vào những năm 60 của TK XX. Tác giả đã khám phá các thuộc tính của các vật liệu đơn giản nhất để sử dụng trong các hình minh họa để biết thêm nhiều điều.
"Tác phẩm không tên (Pieces of Rope)" được tạo ra vào năm 1970, khi Hesse đang trên bờ vực của cái chết, và được hoàn thành với sự giúp đỡ của các đồng đội của cô. Vật trưng bày được làm bằng cao su căng trên dây thừng, dây câu và dây điện và treo lơ lửng trên trần nhà. Nó mô phỏng một mô hình rối trong không gian. Hesse đã rời xa sự gọn gàng truyền thống của chủ nghĩa tối giản, nhưng cách trình bày chất liệu của cô ấy được nhận thức trong thể loại này.
Donald Judd, Công việc không có tiêu đề (1980)
Donald Judd kịch liệt phủ nhận mối liên hệ của mình với chủ nghĩa tối giản. Mặc dù vậy, ông là một trong những người sáng lập ra nó. Đầu những năm 60 của thế kỷ XX, tác giả phát hiện ra sự thù địch nhất định đối với các giá trị nghệ thuật châu Âu nên đã rời xa công việc của một nhà điêu khắc và bắt đầu tạo ra những tác phẩm không thể quy vào bộ phận nghệ thuật nào trên đây. Tác phẩm của ông cũng đã được triển lãm tại Major Structures ở New York.
Vào những năm 1980, Judd bắt đầu tạo ra những chiếc kệ treo, thẳng đứng. Một ví dụ về điều này là "tác phẩm không có tiêu đề" (1980). Từ trước đến nay, loại tác phẩm này không thể không kể đến hội họa. Không phải là một tác phẩm điêu khắc. tác phẩm được làm bằng 2 loại vật liệu: nhôm và plexiglass. Điều này được thực hiện để người xem nghĩ về bản chất mâu thuẫn của nghệ thuật: những hình vẽ mờ ảo và ám ảnh từ bên cạnh được kết nối với chiều sâu của không gian phía trước.
Chúng tôi khuyên bạn nên xem:
Hiểu về MINIMALISM nói chung, tại sao chúng tôi lại được trưng bày trong viện bảo tàng. Chủ nghĩa tối giản bắt đầu phát triển như thế nào và nó ảnh hưởng đến cuộc sống của chúng ta như thế nào!
